Unidad didáctica: El Collage

http://www.megaupload.com/?d=QAZ5VC4W

Reflexiones sobre Arte

¿Existe goce estético en estas imágenes?
Yo creo que hay dos puntos de vista diferentes.
Por un lado se encuentra el espectador televisivo, que no deja de ver imágenes de un suceso que ocurre a cierta distancia y por otro lado se encuentra el sufridor que de alguna manera, los vivencia. La percepción de ambos difiere muchísimo, mientras el primero ve color urbano, forma en destrucción, textura vaporosa, fundición imposible, gomin....el otro huele humo y polvo, siente miedo, oye gritos, ve muerte.

Muchos artistas han usado imágenes estéticamente perfectas de aquel suceso












¿Hasta qué punto es necesaria la técnica para que una obra esté considerada objeto artístico?

Al ver la imagen de la obra de Rodin, lo primero que se me vino a la cabeza es la manera de trabajar del artista, su taller, sus ayudantes, su obra compuesta por piezas sobrantes de otras, sus dibujos, esbozos e ideas, sus anécdotas ( una en la que Rodin viaja y deja un dibujo de una escultura a uno del taller, el cual, por la inexactitud de diversos detalles, deja sin cuello a la cabeza esbozada y cuando la ve Rodin, simplemente, le encanta). No creo que sea necesario el conocimiento de todas las técnicas, aunque sí el medio a utilizar para la búsqueda de soluciones y los contactos adecuados.



¿Hasta qué punto el arte es Patrimonio Cultural?

Creo que es una especie de apego al pasado, que no deja de contradecir a lo que se entiende por obra de arte, que en ocasiones son efímeras, que permanecen en el recuerdo de aquel que las disfrutó mientras vivió y nadie se siente frustrado por eso.




¿En qué grado está relacionado el arte con la belleza?

Christo es un artista que delimita con papel ciertos lugares propios de la naturaleza, compone con sus envolturas y hace obras grandiosas que ya estaban ahí; quizás es una llamada de atención, quizás es una expresión, pero lo que no hay duda es que en muchas ocasiones la obra la tenemos delante, sólo hay que saber verla. Hay quien mira un olivo delante de un muro y ve un estorbo y otro lo mira y ve una obra de arte.

Educación artística

Lo que ahora entiendo que debe ser un educador artístico difiere mucho de lo que he recibido como alumna a lo largo de mi vida.
Y no me remito al siglo pasado ni mucho menos. Durante la carrera, en Bellas Artes (que hasta el nombre está desfasado) se intenta encaminar al alumno sólo y exclusivamente a la producción de obras de arte, como si ese mundo tubiese cabida para los cientos de alumnos que anualmente se gradúan.
¿A alguien le interesa preparar una tabla con cola de conejo o con caseína???¿No sería más beneficioso para todos buscar alternativas laborales, por ejemplo?
Para mí un educador artístico, al margen de unidades didácticas, de contenidos, de objetivos, de actividades, es una persona que trata con otras personas, personas que necesitan conocer y reconocer el mundo, personas que empiezan a sentirse dentro de una masa general, que buscan un futuro, personas que se enfrentan o que se dejan llevar, que se ilusionan, que se niegan, que se solidarizan o que son egoístas, personas que son futuro, que nos hacen ser pasado...

Geertz, Clifford (1994). El arte como sistema cultural

El arte está relacionado con la concepción que una sociedad tiene de la vida, al  igual que el resto de los elementos que la constituyen, por tanto, entiendo que en cada vida existente en el planeta ( o fuera de él) va a existir un arte, al igual que una religión, una costumbres, una política...etc aunque los productores de las obras de arte no hablen del arte, no reflexionen sobre él.

En la pintura occidental hemos aprendido unos códigos a lo largo de la historia que nos hacen entender las obras y que no tienen que ser entendidos en otras sociedades donde los códigos establecidos son o pueden ser diferentes, o no existir.

R. Marín: Didáctica de la Educación Artística

Antigüedad: Aristóteles en "Política" habla de las materias a enseñar y son: leer y escribir, gimnástica, música y dibujo (por su utilidad en la vida y para la apreciación de la belleza)
Edad Media: prescinde de la enseñanza en general. Los aprendizajes se transmiten en talleres donde no hay cabida al individualismo ni a la expresión propia.
Renacimiento: La educación artística la funda Basari en Florencia en 1563 antes de que se crearan los primeros sistemas escolares. El dibujo era la materia central donde giraban el resto de artes y se copiaban láminas para su adiestramiento. Primero geométricas, más adelante naturales.
S XIX: El dibujo en la escuela: se organizan los sistemas educativos y el dibujo es una materia a desarrollar pero  no sólo para individuos interesados sino para toda la sociedad. Surgen los primeros manuales y cartillas escolares junto a las obras de algunos Pedagogos como Pestalozzi (1803) ABC de la intuición o intuición de las proporciones y Froebel con "Regalos y ocupaciones".
Primera mitad del s. XX. Descubrimiento del arte infantil: La manera de expresarse artísticamente los niñ@s dejó de considerarse como errores para entenderse como una forma de reconocer el mundo.
Los artistas buscan direcciones alternativas y rompen con la visión mimética del arte.
Segunda mitad del s. XX:
Desde la autoexpresión creativa a la Educación Artística como disciplina :
Las personas no tienen que aprender arte sino que a través del arte se aprende a ser persona.
La educación artística no se centra en los resultados o productos sino en el proceso de desarrollo personal. El dibujo ha de ser libre y espontáneo.
DBAE: su principal objetivo es desarrollar en el individuo habilidades y conocimientos para entender y apreciar el arte. Son 4 disciplinas las que aparecen en el currículo (estética, crítica, historia del arte y modalidades artísticas).

Autocrítica de la práctica expositiva del texto R. Marín

Toda la clase partimos de un tema que ya habíamos leído y comprendido por parejas, lo cual facilita la enseñanza de una sección del mismo a los demás. A ésto le añadimos que ninguno de nosotros éramos expertos, es decir, que un "igual" te enseña; lo que facilita mucho, tanto la emisión como la recepción de los contenidos.
Esta reflexión me parece importante, ya que determina, en cierta forma la elección de cada grupo de la metodología utilizada.
Mi grupo, en particular, fue el primero, y considerando que el contenido era muy extenso y a la vez muy resumido lo que hicimos fue desarrollarlo con una metodología expositiva, donde lo criticable está en que el exponente no para de hablar, sin apenas intervención de los que escuchan. Creo que aún hoy no sabría plantearlo de otra manera.
Si fuese dirigido a otras personas, a adolescentes, a niños más pequeños, la exposición hubiese sido diferente, en cuanto a la metodología, pero cuando leímos nuestra parte y la analizamos enseguida nos sugirió que era algo archiconocido por todos y que nuestra función consistiría en un mero recordatorio e introducción.

Otros grupos, usando una metodología más interactiva, con ejercicios prácticos lograron una exposición  más dinámica, divertida e incluso provocadora y atrevida.

Deberíamos haber hecho más prácticas de ese tipo porque creo que te acercan más a la función de profesor que todas estas lecturas y críticas acerca del arte o no arte, o artista o estética, que se han repetido tanto en todas las asignaturas y que han aclarado tan poco.

El final del arte. Arthur Danto

Danto habla de un arte que evoluciona en la misma  dirección que el desarrollo científico de la sociedad. El arte como mimesis. Esta idea de arte ha estado vigente hasta el siglo XIX con la aparición de la fotografía y más tarde, el cine; momento en el que el artista se plantea otro camino en la búsqueda de algo distinto.
El arte pasa a ser un arte individual y la historia del arte, una historia de las diversas vidas de los artistas.

Según Hegel el arte es un vehículo para llegar al conocimiento, conocimiento para comprender el arte.

"Para imaginar sólo contamos con las cosas que conocemos". Me hace gracia la frase porque me acuerdo de montones de interpretaciones del futuro, que pasada una sola década de su producción, se ve como una antigualla y es que partimos de lo que conocemos para crear formas, aunque estas sean del futuro.